COSAS INTERESANTES

     ESTA PÁGINA ME VA A SERVIR PARA PODER PONER ENTRADAS SOBRE ALGUNAS COSAS QUE ME PAREZCAN IMPORTANTES O COSAS INTERESANTES PARA LA ASIGNATURA.

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"REFLEXIÓN SOBRE UNA OBRA DE HENRI MATISSE"

     Open Window, por Henri Matisse, 1905. Primera vez exhibido en 1905.

     Me gusta esta imagen ya que para mi gusto me da a entender que todos vivimos en nuestro propio cuarto, un lugar cerrado, pero siempre hay algo más allá, algo afuera que es diferente a lo que conozco.

     En esta pintura se ven lanchas, las cuales son un medio de transporte que pueden llevarte a otro lado.

     Se que no es este el significado real de la pintura pero me gusta verlo así, esta pintura la he encontrado en internet mientras buscaba información sobre este artista y me ha llamado la atención.

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"HENRI MATISSE"

     Nació en Le Cateau-Cambrésis, una pequeña localidad al norte de Francia, en el seno de una familia dedicada al comercio, específicamente de droguería y semillas. Inició estudios para seguir la tradición familiar, pero durante una convalecencia empezó a pintar y entonces descubrió su vocación. Se trasladó a París, asistió a cursos en la Academia Julián y en 1892 ingresó en la Escuela de Bellas Artes, recibiendo clases en el taller del pintor simbolista Gustave Moreau, donde coincidió con Rouault, Camoin y Marquet, además de relacionarse también con los artistas Dufy, discípulos de Pierre Bonnard.

Al comienzo de su trayectoria artística practicó el dibujo del natural en un estilo más bien tradicional, como se aprecia en El tejedor bretón, y realizó copias en el Louvre. Más adelante pasó a pintar luminosos paisajes de Córcega y de la Costa Azul, dejándose llevar por los aires impresionistas de la época, y practicó esporádicamente el divisionismo.

     En algunas de sus figuras pintadas hacia fin de siglo está presente la influencia de Cézanne, pero a partir de 1907 su estilo se hizo más definido y pintó a la manera fauve: supresión de detalles y tendencia a la simplificación, con lo que obtuvo cuadros impregnados de paz y armonía, como Lujo, calma y voluptuosidad o El marinero de la gorra. Mediante zonas de color diferenciadas, tradujo la forma de los objetos y el espacio existente entre ellos, además de introducir arabescos y crear un ritmo característico en sus cuadros, como en Las alfombras rojas. Su uso del color fue de una gran sensualidad, aunque siempre muy controlada por una metódica organización estructural. Como él mismo declaró: «Sueño con un arte de equilibrio, de tranquilidad, sin tema que inquiete o preocupe, algo así como un lenitivo, un calmante cerebral parecido a un buen sillón». Otro de sus rasgos peculiares es la sensación de bidimensionalidad de cuadros como La habitación roja (o Armonía en rojo) o Naturaleza muerta con berenjenas, en los que la ilusión de profundidad queda anulada mediante el uso de la misma intensidad cromática en elementos que aparecen en primer o en último plano.

     En 1910 viajó a España; en Madrid visitó el Museo del Prado y su estancia en Granada y Sevilla contribuyó a acercarle a la estética oriental. En 1912 y 1913 viajó a Marruecos, donde la luz le inspiró cuadros sobre paisajes mediterráneos de gran colorido, como Los marroquíes.

     Hacia 1916 se inició un período en el que se percibe la influencia del movimiento cubista, de creciente importancia, que se traduce en un concepto más geométrico de las formas y una simplificación aún mayor, como en El pintor y su modelo.

     Hacia 1917 se instaló en Niza, conoció a Renoir, y su estilo se hizo más sutil. Produjo en este período algunas de sus obras más célebres, como Ventana en Niza y la serie de las Odaliscas, donde queda claramente plasmado el gusto de Matisse por la ornamentación y el uso de arabescos. En los años siguientes viajó por Europa y Tahití, donde concibió la obra en gran formato La danza.

     Hacia la década de 1940, el colorido de sus telas se tornó más atrevido, como en La blusa rumana y en el Gran interior rojo, antecedentes de los gouaches que realizó a finales de los años cuarenta, en los que cortaba y pegaba papeles coloreados. Es famosa en esta técnica su serie Jazz, de 1943-1946.

     En 1950 decoró la capilla del Rosario de los dominicos de Vence, en la obra que mejor expone su tendencia simplificadora hacia formas más planas. Realizó así mismo un gran número de dibujos a pluma e ilustraciones para escritores como Mallarmé y Joyce. En cuanto a sus grabados, el número de piezas alcanza las quinientas, entre litografías, aguafuertes y xilografías. También esculpió en bronce y colaboró escribiendo artículos para distintas revistas especializadas.

     En 1963 se abrió en Niza el Museo Matisse, que reúne una parte de su obra. Henri Matisse es considerado junto con Pablo Picasso uno de los más grandes artistas del siglo pasado.

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"INFORMACIÓN SOBRE EL AUTOR DEL TRABAJO FINAL"

     Hiraki Sawa es un joven artista japonés que vive y trabaja en Londres. Saltó al primer plano de la escena internacional con su vídeo Dwelling y ya expone en el Hirschhorn Museum, una de las instituciones más potentes de los Estados Unidos. Su exposición en este centro de The Mall consiste en 5 vídeos: Dwelling, de 2002-2004, Elsewhere, 2003, Migration, 2003, Trail, 2005 y Eight Minutes, 2005. La obra de Hiraki Sawa versa sobre la idea de desplazamiento, no sólo físico sino cultural, algo que se encuentra bien arraigado en muchos artistas asiáticos que trabajan en Occidente como por ejemplo los coreanos Do-Ho-Suh, o Kim Soja. Precisamente, estos dos artistas, junto a Sawa, participan de la colectiva de arte asiático, titulada Fusión, que recientemente ha montado el MUSAC de León.

     Dwelling, que es la pieza que se puede ver también en el MUSAC, fue rodada en el apartamento londinense de Sawa cuando todavía era estudiante en el Slade School. Se trata de un apartamento austero con pocas cosas, nada de lujos. Sawa ha optado por el blanco y negro y por una imagen descuidada, sin ninguna pretensión técnica, para incidir en una idea de desarraigo. El aeropuerto como lugar de paso, como lugar al que nunca se suele tener ningún apego, es muy recurrente, también, en muchos artistas trabajando en la actualidad. Sawa traduce esta idea al ámbito de lo privado a través de un espacio desangelado, como transitorio, casi a punto de ser abandonado. Hasta aquí todo bien. De repente, las discretas salas del apartamento empiezan a ser surcadas por todo tipo de aviones. Sawa superpone las imágenes de los aviones a otras imágenes ya rodadas del espacio. Y lo hace con un método muy sencillo que hace que la huella pueda ser perceptible. ¿Es quizá una forma de mostrar su escepticismo ante los avances tecnológicos? Todos estos aviones, comerciales, de carga, Concordes, Boeings, etc, despegan de las alfombras, surcan el aire hasta el cuarto de baño y aterrizan en la bañera a lenta velocidad. Es como un sueño infantil. Hay una intensísima carga melancólica que hay que asociar necesariamente a esa idea del desplazamiento. Curiosamente, la obra de Sawa en el montaje del MUSAC se encuentra pegada a la casa de Do-Ho-Suh realizada con telas, que se presentara por vez primera en España en la galería de Soledad Lorenzo hace un par de años. También la del coreano habla de esa melancolía que produce la marcha.

     Otros trabajos de Hiraki Sawa subrayan esa idea poética no exenta de cierto clima de tensión. En otro de los vídeos, las cazuelas, cuencos y tazas tienen brazos y piernas y se desplazan, también, por las estancias. Hay un cierto aliento surrealista no ya sólo en el resultado sino en el modo de trabajar, la persistente tendencia a la superposición, al collage.

     A continuación podremos ver el vídeo de ejemplo que me ha dado Ángel para poder realizar mi trabajo final.



     También yo he buscado algunos vídeos de este autor para informarme mejor como trabaja sobre las obras que ha creado.

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"¿QUÉ ES SLIDE?

     Slide.com es un sitio quizás muy conocido ya para muchos usuarios de blogs y comunidades web, con esta herramienta podemos generar presentaciones (slide) con nuestras fotografías.

     Es un sitio muy amigable e intuitivo que nos entrega muchas herramientas de configuración relativas con el tamaño de la imagen, colores, efectos y estilos.

     Los pasos a seguir son muy sencillos basta con registrarse y subir tus fotografías las cuales terminaran como una gran presentación. Luego sólo guardamos y automáticamente nos entregará el código HTML para insertarlo en los blogs (entrega el código para algunos sitios específicos), páginas web y otros sitios como este.

     Además de cierta manera quedan protegidas tus fotos ya que se genera una presentación en formato Flash.

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"¿QUÉ ES ISSUU?"

     Issuu es un servicio online que permite la visión realista y adaptable de material digital subido, como carteras, libros, ediciones de revistas, periódicos y otros medios impresos. Se integra con los sitios de redes sociales para promover el material cargado.

     Servicio de Issuu es comparable a lo que Flickr hace para compartir fotos, y lo que YouTube hace para compartir videos. Si bien la mayoría de los documentos están destinados a ser vistos en línea, algunos se pueden descargar y guardar así. Subido material de impresión se ve a través de un navegador web y está hecho para parecerse a una publicación impresa con unas animadas opciones de voltear la página.

     La compañía fue fundada en 2006, con el servicio lanzado diciembre de 2007. Issuu fue seleccionado como uno de TIEMPO'S 50 mejores webs 2009 y fue un 2009 Premios Webby Homenajeado y 2008 South By Southwest finalista. Notables son los clientes Issuu Routledge, El Banco Mundial y Cambridge University Press. En diciembre de 2008 Issuu lanzado mirada inteligente, que permite que otros sitios web para convertir sus documentos alojados en digital ediciones Issuu, así, los lectores no tienen que descargar los documentos para leerlos.

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"¿QUÉ ES BLIP.TV?"

     Blip.tv es un servicio de vídeos compartidos diseñado para los creadores de contenidos generados por usuarios.

     Blit.tv provee a los creadores de contenidos en vídeo alojamiento web gratuito, da soporte a una gran variedad de formatos de vídeo, ofrece ladistribución mediante tecnologías como RSS, así como la ordenación de contenidos por episodios.

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"¿QUÉ ES LA PERFORMANCE?"



     Una performance es una muestra escénica, muchas veces con un importante factor de improvisación, en que la provocación o el asombro, así como el sentido de la estética, juegan un rol principal.

     El término performance se ha difundido en las artes plásticas a partir de la expresión inglesa performance art con el significado de arte en vivo. Está ligado al arte conceptual, a los happenings, al movimiento artístico fluxus events y al body art. La palabra performance comenzó a ser utilizada especialmente para definir ciertas manifestaciones artísticas a finales de los años sesenta. Este medio artístico tuvo su auge durante los años setenta.

     La historia del "performance art" empieza a principios del siglo XX, con las acciones en vivo de artistas de movimientos vanguardistas. Creadores ligados al futurismo, al constructivismo, al dadaísmo y al surrealismo, realizaban por ejemplo las exhibiciones no convencionales en el Cabaret Voltaire. Entre estos artistas se destaca la participación de Richard Huelsenbeck y Tristan Tzara.

• El arte de la performance es aquél en el que el trabajo lo constituyen las acciones de un individuo o un grupo, en un lugar determinado y durante un tiempo concreto.

• La Performance o acción artística puede ocurrir en cualquier lugar, iniciarse en cualquier momento y puede tener cualquier duración.

• Una "acción artística" es cualquier situación que involucre cuatro elementos básicos: tiempo, espacio, el cuerpo del artista y una relación entre este y el público. El performance se opone a la pintura o la escultura, ya que no es el objeto sino el sujeto el elemento constitutivo de la obra artística.

• La performance tiene parentescas con la acción poética, la intermedia, la poesía visual y otras expresiones del arte contemporáneo. Algunos llaman a tales expresiones (idénticas o muy similares a la performance): live art, action art, intervenciones y manoeuvres.

• El sniggling es una forma activista y engañosa de performance art en público, que típicamente se desarrolla de modo que los espectadores inicialmente no se dan cuenta de que se está ejecutando una performance.

     En el arte contemporáneo, nos referimos a acción poética cuando distinguimos una performance de una acción basada en el sentido poético del arte, la literatura o la cultura.

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"LARS VON TRIER" CINEASTA DOGMA

Nace en Copenhague (Dinamarca) el 30 de abril de 1956. El director danés Lars von Trier es reconocido mundialmente por su visión crítica del mundo expresada a través de sus películas dramáticas las cuales han generado tanto el clamor por parte de los expertos como también críticas por los métodos de filmación.

Lars von Trier fue uno de los creadores del Dogma 95, un movimiento cinematográfico con el cual se llama al regreso de historias más creíbles en la industria fílmica apartándose de los efectos especiales y dirigiéndose principalmente hacia un uso técnico mínimo.

A pesar de alcanzar un mayor reconocimiento con películas como Europa (Zentropa) von Trier se consagró como uno de los directores de cine más importantes de Europa en 1996 con Rompiendo las olas.

Esta última producción, junto con "Dancer In The Dark" (que cuenta con las participaciones de la cantante islandesa Björk, la actriz francesa Catherine Deneuve, y la del sueco Peter Stormare) y "Los Idiotas" o "Dogma #2", forma la trilogía de "Los Corazones de Oro".

Lars von Trier también pinta cuadros, uno de los cuales está expuesto en la última planta del castillo de Hillerod (Dinamarca). Refleja un universo casi monocromático y angustioso, como en sus películas.

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"JORGEN LETH"

     Jorgen Leth es un danés poeta y director de cine que es considerado una figura destacada en el documental de la realización de películas experimentales. Los más notables son su documental épico "Un domingo en el Infierno" (1977) y su cortometraje surrealista "The Perfect Human" (1967). También es comentarista deportivo para la televisión danesa y está representada por la compañía de producción de películas, producciones de extinción.

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"EL CINE DOGMA: ALGO DE INFORMACIÓN"

     Dogma 95 es un movimiento fílmico desarrollado en 1995 por los directores daneses Lars Von Trier, Thomas Vinterberg, Krisitian Levring y Soren Kragh-Jacobsen. Su meta es producir películas simples, sin modificaciones en la posproducción, poniendo énfasis en el desarrollo dramático.

DOGMA 95: NUEVO CONCEPTO DE CINE

     En 1995 Lars Von Trier y un grupo de directores dieron a conocer un documento en el que planteaban la necesidad de modificar la forma de realizar el relato cinematográfico. Ese documento resultó ser el impulso inicial de un movimiento llamado Dogma 95. Los directores en cuestión se comprometían a tratar sus películas respetando una serie de normas estrictas a partir de las cuales buscaban encontrar la verdad profunda. Las películas filmadas de acuerdo a este movimiento deben ser filmadas en escenarios naturales evitando las escenografías armadas en los estudios, con cámara en mano o al hombro, grabada con sonido directo y sin musicalizaciones especiales. Todas estas especificaciones buscan dar a la historia un tono más realista. Dogma era el intento más audaz y conspicuo de reinventar el cine desde Jean-Luc Godard.

     Las películas Dogma, se caracterizan por lucir un certificado que otorga la autenticidad del proyecto y de un número de matrícula. Este certificado lo expide un comité de jueces que valoran la película y se ciernen que cumple con el voto de castidad. Películas como El proyecto de la bruja de Blair de Daniel Myrick y Eduardo Sánchez, fueron rechazadas por no cumplir el voto número 8, ya que en este caso se trataba de una película de terror.

     Si bien el voto de castidad dice en el número 9, que el formato de las películas deben ser en 35mm, se sabe que varias películas como "La celebración y Los idiotas" fueron hechas en vídeo. En una entrevista a Lars Von Trier el 4 de noviembre de 1999, se le pregunta por qué se denomina a estas películas como Dogma, si están hechas en vídeo. Lars Von Trier contesta que hablando con Soren Kragh llegaron a la conclusión de que es muy difícil para un cameraman cargar una cámara de 35mm y que además por una cuestión de presupuesto se decidió grabar en vídeo, adaptando esa regla a que el formato de distribución es el que debe ser en 35mm.

     Para lograr esto, establecieron una serie de reglas que en su conjunto llaman voto de castidad. El manifiesto Dogma, traducido en su totalidad, es el siguiente:

TRADUCCIÓN DEL MANIFIESTO DOGMA

     Dogma 95 es un colectivo de cineastas fundado en Copenhague en la primavera de 1995.

     Actualmente, una tormenta tecnológica está causando furor, el resultado será la democratización suprema del cine. Por primera vez, no importa quién es el que hace las películas. Pero, cuanto más accesibles se hacen los medios, más importante es la vanguardia. No es algo accidental por lo que la vanguardia tiene connotaciones tecnológicas. La respuesta es la disciplina...; debemos ponerles uniformes a nuestras películas, porque el cine individualista será por definición decadente.

     Dogma 95, para levantarse en contra del cine individualista, presenta una serie de reglas indiscutibles conocidas como el voto de castidad.

     Previsiblemente el drama se ha convertido en el becerro de oro alrededor del cual todos bailamos. Hacer que la vida interior de los personajes justifique el argumento es demasiado complicado y no es arte auténtico. Ya que nunca las películas artificiales y las acciones superficiales recibieron toda la atención. El resultado es estéril. Una ternura ilusoría, un amor de ilusión.

     Actualmente, una tormenta tecnológica está causando furor: elevemos los cosméticos a Dios. Utilizando la nueva tecnología, cualquiera en todo momento puede lavar los últimos restos de verdad en un abrazo mortal a las sensaciones. Las ilusiones son todo lo que una película puede esconder.

     Dogma 95 se levanta contra el cine de ilusión, presenta una serie de reglas indiscutibles conocidas como el voto de castidad.

EL VOTO DE CASTIDAD

     Juro que me someteré a las reglas siguientes, establecidas y confirmadas por:

• El rodaje debe realizarse en exteriores. Accesorios y decorados no pueden ser introducidos.
• El sonido no debe ser producido separado de las imágenes y viceversa.
• La cámara debe sostenerse en la mano. Cualquier movimiento o inmovilidad conseguido con la mano están autorizados.
• La película tiene que ser en color. La iluminación especial no es aceptada.
• Los trucajes y filtros están prohibidos.
• La película no cebe contener ninguna acción superficial.
• Los cambios temporales y geográficos están prohibidos.
• Las películas de género no son válidas.
• El formato de la película debe ser de 35 mm.
• El director no debe aparecer en los créditos.

     Así pronuncio mi voto de castidad.

 

     Copenhague, Lunes 13 de marzo de 1995.

     En nombre de Dogme 95 (Dogma 95), Lars Von Trier - Thomas Vinterberg.

PELÍCULAS DOGMA DESTACADAS.

• La Celebración (Thomas Vinterberg 1998). Los Klingenfeldt son una familia de la actual alta burguesía danesa, se disponen a la celebración del sesenta cumpleaños del patriarca, pero un hijo está dispuesto a contarlo todo.
• Los Idiotas (Lars Von Trier 1998). En los idiotas, provocadora desde su título, es una mirada crítica sobre una sociedad burguesa, un estado de falso bienestar imposibilitado para la verdadera felicidad.
• Mifune (Soren Kragh-Jaconbsen 1999). Rodado en cine, más cerca de la comedia, que habla con cierto humor de la imposibilidad de escapar de nuestros orígenes.
• The King is alive (Kristian Levring 2000). Rodada en África y basada en algunos textos del Rey Lear de Shakespeare.
• Lovers (Jean Marc Barr 1999). Historia de amor entre dos jóvenes condenados a separarse por las leyes de inmigración europeas.
• Julián Donkey-Boy (Harmony Korine 1999). La corriente Dogma también ha cruzado el Atlántico. Es la primera película con certificado en la cinematografía estadounidense.
• Después de la boda (Susanne Bier 2006). Jacob Petersen ha dedicado los últimos quince años de su vida a distintos proyectos sociales en India, pero el orfanato que dirige está a punto de cerrar por falta de fondos. De pronto, recibe una oferta inesperada. Un hombre de negocios danés, Jorgen, está dispuesto a donar 4 millones de dólares y Jacob se dirige a Dinamarca para cerrar el contrato. Allí se encontrará con su pasado, al ser invitado a la boda de la hija de Jorgen. Este pasado quizá pueda hacer ceder el inmenso odio que siente Jacob por los grandes burgueses.

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"OTRAS MODALIDADES ARTÍSTICAS DEL LAND-ART"

1. BODY-ART:
   
   
        El arte corporal es un estilo enmarcado en el arte conceptual, de gran relevancia en los años 1960 en Europa y, en especial, en Estados Unidos.
        Se trabaja con el cuerpo como material plástico, se pinta, se calca, se ensucia, se cubre, se retuerce... el cuerpo es el lienzo o el molde del trabajo artístico. Suele realizarse a modo de acción o performance, con una documentación fotográfica o videográfica posterior.
        Yves Klein, Bruce Nauman, Vito Acconci, Youri Messen-Jaschin tuvieron su fase en este movimiento. A continuación vamos a ver un vídeo de fotografías sobre BODY-ART.
   
   
   
   

   
   
2. HAPPENING:
   

   

   
       Happening (de la palabra inglesa que significa evento, ocurrencia, suceso). Manifestación artística, frecuentemente multidisciplinaria, surgida en los 1950 caracterizada por la participación de los espectadores. Los happenings integran el conjunto del llamado performance art y mantiene afinidades con el llamado teatro de participación.

   

        La propuesta original del happening artístico tiene como tentativa el producir una obra de arte que no se focaliza en objetos sino en el evento a organizar y la participación de los "espectadores", para que dejen de ser sujetos pasivos y, con su actividad, alcancen una liberación a través de la expresión emotiva y la representación colectiva. Aunque es común confundir el happening con la llamada performance el primero difiere de la segunda por la improvisación o, dado que es difícil una real improvisación, por la imprevisibilidad.

        El happening en cuanto a manifestación artística es de muy diversa índole, suele ser no permanente, efímero, ya que busca una participación espontánea del público. Por este motivo los happenings frecuentemente se producen en lugares públicos, como un gesto de sorpresa o irrupción en la cotidianeidad. Un ejemplo de ello son los eventos organizados por Spencer Tunik en los cuales se implican a masas de gente desnuda.

        Los primeros happening fueron los efimero panico de Alejandro Jodorowsky. Se considera como el primer happening propiamente dicho a la obra Theater piece Nº1 realizada en 1952 por John Cage en el Black Mountain College, tal tipo de obra fue explicada por el propio John Cage como eventos teatrales y sin trama, aunque fue Allan Kaprow (alumno de Cage) quien en abril de 1957 durante un Picnic artístico improvisaciones que se representaban.

        En enero de 1958 la frase acuñada por Kaprow es generalizada`por la revista estudiantil de la Rutgers University Antologist, desde entonces tal forma artística y tal denominación fue adoptada en otros países. Jack Kerouac refiriéndose a Kaprow le llamó el hombre Happening al observar la obra 18 Happenings in 6 parts (1959).

        Aunque el happening surge en Estados Unidos durante los 50s y tuvo su apogeo durante los “alegres” 1960 con esteticas próximas al llamado pop-art y a las del movimiento hippie, entre 1964 y 1960 los provos improvisaban verdaderos happenings en las plazas de Ámsterdam, se encuentran claros precedentes del mismo en ciertas expresiones artísticas vanguardistas de “los años locos” ( los años 1920), muchas de ellas vinculadas al surrealismo y, sobre todo al dadaísmo siendo claros antecedentes las exhibiciones no convencionales realizadas en el Cabaret Voltaire por Richard Huelsenbeck, Tristan Tzara entre otros.

        En España, las primeras obras de happening fueron escritas en catalán por el poeta Joan Brossa en 1946, es decir mucho antes de que Kaprow acuñara el término. Su autor las denominó acciones espectáculo.
3. ARTE POVERA:

   
   

   El término arte povera (voz italiana para "arte pobre") es una tendencia dada a conocer a finales de los sesenta, cuyos creadores utilizan materiales considerados 'pobres', de muy fácil obtención: como madera, hojas o rocas placas de plomo o cristal, vegetales, telas, carbón o arcilla, o, también, de desecho y, por lo tanto, carentes de valor. En un esfuerzo por huir de la comercialización del objeto artístico, ocupan el espacio y exigen la intromisión del público. Tratan de provocar una reflexión entre el objeto y su forma, a través de la manipulación del material y la observación de sus cualidades específicas. Un artista típico es Mario Merz (n. 1925), famoso por sus «iglú», estructuras hemisféricas realizadas con materiales diversos.

   Acuñado por el crítico y comisario de arte italiano Germano Celant en 1967 para el catálogo de la exposición 'Arte povera – Im Spazio', intentaba describir la tendencia de una nueva generación de artistas italianos a trabajar con materiales nada tradicionales y supuso un importantísima reflexión estética sobre las relaciones entre el material, la obra y su proceso de fabricación y también un claro rechazo hacia la creciente industrialización, metalización y mecanización del mundo que les rodeaba, incluido el del arte. Aunque originario de ciudades como Turín, Milán, Génova o Roma y de carácter muy heterogéneo, el movimiento tuvo en seguida mucha influencia, gracias a la documenta V de Kassel, en las escenas artísticas europea y americana.

   El término se usó por primera vez una exposición veneciana en el año 1967.

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"ALGUNOS AUTORES DEL LAND-ART"

1. CHRISTO Y JEANNE-CLAUDE:
   
   

   

        Christo (n. Gabrovo, Bulgaria, 13 de junio de 1935) y Jeanne-Claude (Casablanca, Marruecos, 13 de junio de 1935 - Nueva York, Estados Unidos, 18 de noviembre de 2009)^[] son un matrimonio de artistas que realiza instalaciones artísticas ambientales, similares al Land Art.

   Se caracterizan, principalmente, por utilizar tela para envolver gigantescos edificios o cubrir extensas áreas públicas.

        Han realizado sus instalaciones en diferentes países: en el año 1995 forraron el edificio del Reichstag en Alemania y en 1985 cubrieron el Puente Nuevo en París. También construyeron una cortina de 39 kilómetros de largo, llamada "Running Fence", en la comuna francesa de Marin en 1973. Su trabajo más reciente fue "The Gates" (2005), el que consistió en instalar 7.503 marcos metálicos en el Central Park de Nueva York.
2. ROBERT SMITHSON:
   
   

   

   Robert Smithson (Nueva Jersey, 2 de enero de 1938 – 20 de julio de 1973) fue un artista contemporáneo del movimiento llamado Land Art. Estudió pintura y dibujo en la ciudad de Nueva York. Después de diplomarse en la Liga de Estudiantes de Arte en 1956, se inscribió en la Escuela del Museo de Brooklyn. Su tipo de pintura preferida es la pintura abstracta, tipo de pintura que dejó para consagrarse, a partir de 1962, a la escultura. Comenzó a trabajar en los lugares suburbanos, empleando para sus trabajos el término Earthworks (obras de tierra). Sus construcciones, esculturales sin ninguna función utilitaria y son así obras efímeras. Sus obras son gigantescas, construidas con la ayuda de máquinas industriales, lejos de la población. Su obra más conocida posiblemente sea la Spiral Jetty creada en abril de 1970 en el Gran Lago Salado en Utah. Falleció en accidente de aviación.
3. AGUSTIN IBARROLA
   
   

   

        Tras comenzar su relación con la pintura de forma autodidacta (a los 16 años realizó su primera exposición), en 1948 la Diputación de Vizcaya y el Ayuntamiento de Bilbao le concedieron una beca con la que se trasladó a Madrid para continuar sus estudios en el taller de Daniel Vázquez Díaz, hasta 1955. Junto con éste dio sus primeros pasos en el cubismo.

        En 1950 conoció a otro artista que tuvo gran influencia sobre su producción y su mentalidad artística, el escultor vasco Jorge Oteiza; junto a él se introdujo en la división y análisis del espacio propia del constructivismo. También aprendió de Oteiza la mentalidad de creación artística conjunta, donde participaran numerosos artistas y diferentes artes.

        En 1956, y tras relizar diversas exposiciones en España, se trasladó a París. En esta ciudad conoció a otros artistas españoles residentes allí, con los cuales en 1957, en el café Rond Point fundaron el Equipo 57; entre integrantes de dicho grupo fueron José Duarte, Ángel Duarte y José Serrano. En este época, a través de José Ortega, descubre la técnica del grabado y se integra en el movimiento de "Estampa Popular" del País Vasco. Esta es su época del constructivismo.

        En 1963 se celebró una exposición de su obra en Londres donde sus trabajos merecieron que la crítica le comparase con el papel que desarrolló Goya en su obra Desastres de la Guerra.

   Su obra pictórica es un desarrollo plástico de su ideología política, pudiendo ser inscrita dentro de la pintura social, denunciando la realidad del proletariado y el mundo rural. Su obra conjuga el espíritu vasco con el compromiso social con los trabajadores, las gentes más humildes y tiende hacia el expresionismo.

        Realizado en el seno del Equipo 57, realizó diversos estudios sobre los espacios curvos y sobre las relaciones positivo-negativo y cóncavo-convexo que posteriormente influyeron notablemente en su planteamiento estético. En la década de los 80 inició su actividad escultórica y su singular visión de la obra pictórica, reflejada posteriormente en algunas de sus obras, como sus "Bosques.

        Hace algunos años decidió retirarse a su caserío realizando obras pictóricas y escultóricas de gran formato, y trabajando en sus intervenciones en la naturaleza en sus Bosques, decoraciones pictóricas realizadas en árboles. Un ejemplo de éstos, y quizá su trabajo más conocido, es el Bosque de Oma, cerca de Guernica. En él se inspiró el dramaturgo Pedro Víllora para su obra Electra en Oma.

        Siguiendo el "formato" elegido en Oma, Ibarrola realizó en Salamanca el conocido como "Bosque Encantado". Se trata de un lugar, a orillas del río Tormes, donde se han ubicado una serie de olmos secos, debido a la enfermedad de la grafiosis, propia de estos árboles. Con ellos, Ibarrola, junto con algunos alumnos de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca creó el citado bosque, decorando los olmos con motivos de pintura de vivos colores.

        En 1993, algunas de sus obras, y otras de Jorge Oteiza y Jon Iturrarte sufrieron sucesivos atentados por motivos políticos, todas ellas ubicadas en el País Vasco. En el año 2000 fueron destruidas las cortezas de unos cien árboles del Bosque de Oma y dos fueron talados tras una primera agresión de los propietarios del Bosque.

        En 2005, tras los continuos ataques a sus obras y la persecución y amenazas de la banda terrorista ETA y su entorno hacia su persona, el artista decidió autoexiliarse y abandonar el País Vasco y establecerse en la finca Garoza de Bracamonte, que le cedió su amigo y experto en arte Alfredo Melgar, en Ávila. Desde allí ha continuado su obra, trabajando la piedra y otros materiales; él mismo ha manifestado en ocasiones su deseo de la creación de una fundación con edificios-museo para que alberguen el conjunto de su obra.

        Está en posesión de la Medalla de la Orden del Mérito Constitucional.

        Otras de sus obras más conocidas son El bosque de los tótems' (1996) en la Estación de Príncipe Pío de Madrid, Ola a ritmo de txalaparta (1986/1987) en la Estación de Chamartín de Madrid, Viaje al infinito (1985) en la Estación de Abando de Bilbao y, una de sus últimas y más espectaculares, los Cubos de la Memoria en el puerto de Llanes, unos espectaculares cubos pintados de vivos colores en el escollera del dique del puerto.