PROYECTO "LA OTRA MIRADA: VISITA A UNA EXPOSCIÓN

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     Aquí os dejo mi trabajo sobre una visita a una exposicón, sobre la cual he tenido muchos problemas para poder subir el documento en la página de issuu.com, ya que no me aceptaba el documento de pdf que tenía guardado porque me decía que no era compatible con el programa, es decir que no se había transformado el documento de word en pdf por completo.

     Despué de varios intentos y varias horas he podido transformar por completo el documento en pdf y subirlo a la página issuu.com.

"SESIÓN Y SEMINARIO VI"

     En el día 25 y 26 de noviembre, Ángel nos propuso de llevarnos el portátil para explicarnos en las dos clases, tanto en la clase de la sesión teórica como en la clase de seminario, como podíamos realizarnos una cuenta issuu para subir los trabajos, en este caso el trabajo Proyecto "La otra mirada: visita a una exposición" y como podemos subir también los vídeos a una página llamada blip.tv.

    

     En estas clases Ángel se dedico más a enseñarnos como podemos trabajar con estos dos programas no sólo para su asignatura sino para poder trabajar en un futuro en otras asignaturas con esta tecnología, ya que es una herramienta muy útil y hoy en día al alcance de todo el mundo, a la misma vez que es económico y cómodo para la realización de estos trabajos, mostrándolos en una página donde puede ser visto por todo el mundo.

     En la clase del seminario, Ángel se centro más en explicarnos y enseñarnos como podemos trabajar con un editor de vídeos y con el movie makier, para que no tubiéramos problemas a la hora de realizar los vídeos del museo y en un futuro con los vídeos del trabajo sobre un humano perfecto.

     

"PROYECTO LA OTRA MIRADA: VISITA A UNA EXPOSICIÓN. VIDEOENSAYO"

     A parte de dejar el vídeo en la página donde Ángel nos dijo, también lo voy a subir como una entrada en el blog, donde también subire la parte teórica.

"DIFERENTES MANERAS DE DIBUJAR"

     En el día 23 de Noviembre, Ángel nos dividió la sesión en dos partes, en la primera parte nos estubo explicando y aclarando algunas dudas y preguntas que le realizamos con respecto al trabajo del Museo.

     En la segunda parte de la sesión, Ángel nos estubo haciendo dibujar de diferentes maneras como con manchas, con curvas, con líneas, un cuento de hadas y con diferentes imaginaciones como nuestra habitación, un paisaje conocido, algo triste, una historia de princesas y hadas, todos estos dibujos lo hicimos cada uno en un folio distinto sin pintar por detrás de la cara de cada dibujo y lo estubimos realizando con música de ambiente que también se encargo Ángel de ponerla.

     Una vez acaba la clase, Ángel nos mandó como taréa para casa que dibujaramos una flor, porqué era lo que le había llamado la atención en la historia a la princesa en su salida por el pueblo.

     A continuación mostraré un vídeo de todas las imágenes captadas durante la sesión:

SEMINARIO V

     En el seminario V, Ángel nos llevó al Monasterio de la Cartuja, junto a la Universidad, para que realizáramos un dibujo sobre algo que nos llamará la atención y que dibujáramos sólo lo que había en esa imagen y no cosas que nos inventáramos nosotros.

     Mi dibujo es el siguiente:

     Y aquí algunas fotografías tomadas durante la explicación y antes de realizar el dibujo:

"EL CINE DOGMA": ALGO DE INFORMACIÓN

     Dogma 95 es un movimiento fílmico desarrollado en 1995 por los directores daneses Lars Von Trier, Thomas Vinterberg, Krisitian Levring y Soren Kragh-Jacobsen. Su meta es producir películas simples, sin modificaciones en la posproducción, poniendo énfasis en el desarrollo dramático.

 

DOGMA 95: NUEVO CONCEPTO DE CINE

 

     En 1995 Lars Von Trier y un grupo de directores dieron a conocer un documento en el que planteaban la necesidad de modificar la forma de realizar el relato cinematográfico. Ese documento resultó ser el impulso inicial de un movimiento llamado Dogma 95. Los directores en cuestión se comprometían a tratar sus películas respetando una serie de normas estrictas a partir de las cuales buscaban encontrar la verdad profunda. Las películas filmadas de acuerdo a este movimiento deben ser filmadas en escenarios naturales evitando las escenografías armadas en los estudios, con cámara en mano o al hombro, grabada con sonido directo y sin musicalizaciones especiales. Todas estas especificaciones buscan dar a la historia un tono más realista. Dogma era el intento más audaz y conspicuo de reinventar el cine desde Jean-Luc Godard.

     Las películas Dogma, se caracterizan por lucir un certificado que otorga la autenticidad del proyecto y de un número de matrícula. Este certificado lo expide un comité de jueces que valoran la película y se ciernen que cumple con el voto de castidad. Películas como El proyecto de la bruja de Blair de Daniel Myrick y Eduardo Sánchez, fueron rechazadas por no cumplir el voto número 8, ya que en este caso se trataba de una película de terror.

     Si bien el voto de castidad dice en el número 9, que el formato de las películas deben ser en 35mm, se sabe que varias películas como "La celebración y Los idiotas" fueron hechas en vídeo. En una entrevista a Lars Von Trier el 4 de noviembre de 1999, se le pregunta por qué se denomina a estas películas como Dogma, si están hechas en vídeo. Lars Von Trier contesta que hablando con Soren Kragh llegaron a la conclusión de que es muy difícil para un cameraman cargar una cámara de 35mm y que además por una cuestión de presupuesto se decidió grabar en vídeo, adaptando esa regla a que el formato de distribución es el que debe ser en 35mm.

     Para lograr esto, establecieron una serie de reglas que en su conjunto llaman voto de castidad. El manifiesto Dogma, traducido en su totalidad, es el siguiente:

 

TRADUCCIÓN DEL MANIFIESTO DOGMA

 

     Dogma 95 es un colectivo de cineastas fundado en Copenhague en la primavera de 1995.

     Actualmente, una tormenta tecnológica está causando furor, el resultado será la democratización suprema del cine. Por primera vez, no importa quién es el que hace las películas. Pero, cuanto más accesibles se hacen los medios, más importante es la vanguardia. No es algo accidental por lo que la vanguardia tiene connotaciones tecnológicas. La respuesta es la disciplina...; debemos ponerles uniformes a nuestras películas, porque el cine individualista será por definición decadente.

 

     Dogma 95, para levantarse en contra del cine individualista, presenta una serie de reglas indiscutibles conocidas como el voto de castidad.

     Previsiblemente el drama se ha convertido en el becerro de oro alrededor del cual todos bailamos. Hacer que la vida interior de los personajes justifique el argumento es demasiado complicado y no es arte auténtico. Ya que nunca las películas artificiales y las acciones superficiales recibieron toda la atención. El resultado es estéril. Una ternura ilusoría, un amor de ilusión.

     Actualmente, una tormenta tecnológica está causando furor: elevemos los cosméticos a Dios. Utilizando la nueva tecnología, cualquiera en todo momento puede lavar los últimos restos de verdad en un abrazo mortal a las sensaciones. Las ilusiones son todo lo que una película puede esconder.

 

     Dogma 95 se levanta contra el cine de ilusión, presenta una serie de reglas indiscutibles conocidas como el voto de castidad.

 

EL VOTO DE CASTIDAD

 

     Juro que me someteré a las reglas siguientes, establecidas y confirmadas por:

• El rodaje debe realizarse en exteriores. Accesorios y decorados no pueden ser introducidos.
• El sonido no debe ser producido separado de las imágenes y viceversa.
• La cámara debe sostenerse en la mano. Cualquier movimiento o inmovilidad conseguido con la mano están autorizados.
• La película tiene que ser en color. La iluminación especial no es aceptada.
• Los trucajes y filtros están prohibidos.
• La película no cebe contener ninguna acción superficial.
• Los cambios temporales y geográficos están prohibidos.
• Las películas de género no son válidas.
• El formato de la película debe ser de 35 mm.
• El director no debe aparecer en los créditos.

     Así pronuncio mi voto de castidad.

 

     Copenhague, Lunes 13 de marzo de 1995.

     En nombre de Dogme 95 (Dogma 95), Lars Von Trier - Thomas Vinterberg.

PELÍCULAS DOGMA DESTACADAS.

• La Celebración (Thomas Vinterberg 1998). Los Klingenfeldt son una familia de la actual alta burguesía danesa, se disponen a la celebración del sesenta cumpleaños del patriarca, pero un hijo está dispuesto a contarlo todo.
• Los Idiotas (Lars Von Trier 1998). En los idiotas, provocadora desde su título, es una mirada crítica sobre una sociedad burguesa, un estado de falso bienestar imposibilitado para la verdadera felicidad.
• Mifune (Soren Kragh-Jaconbsen 1999). Rodado en cine, más cerca de la comedia, que habla con cierto humor de la imposibilidad de escapar de nuestros orígenes.
• The King is alive (Kristian Levring 2000). Rodada en África y basada en algunos textos del Rey Lear de Shakespeare.
• Lovers (Jean Marc Barr 1999). Historia de amor entre dos jóvenes condenados a separarse por las leyes de inmigración europeas.
• Julián Donkey-Boy (Harmony Korine 1999). La corriente Dogma también ha cruzado el Atlántico. Es la primera película con certificado en la cinematografía estadounidense.
• Después de la boda (Susanne Bier 2006). Jacob Petersen ha dedicado los últimos quince años de su vida a distintos proyectos sociales en India, pero el orfanato que dirige está a punto de cerrar por falta de fondos. De pronto, recibe una oferta inesperada. Un hombre de negocios danés, Jorgen, está dispuesto a donar 4 millones de dólares y Jacob se dirige a Dinamarca para cerrar el contrato. Allí se encontrará con su pasado, al ser invitado a la boda de la hija de Jorgen. Este pasado quizá pueda hacer ceder el inmenso odio que siente Jacob por los grandes burgueses.

"¿QUÉ ES EL PERFORMANCE?"



     Una performance es una muestra escénica, muchas veces con un importante factor de improvisación, en que la provocación o el asombro, así como el sentido de la estética, juegan un rol principal.

     El término performance se ha difundido en las artes plásticas a partir de la expresión inglesa performance art con el significado de arte en vivo. Está ligado al arte conceptual, a los happenings, al movimiento artístico fluxus events y al body art. La palabra performance comenzó a ser utilizada especialmente para definir ciertas manifestaciones artísticas a finales de los años sesenta. Este medio artístico tuvo su auge durante los años setenta.

     La historia del "performance art" empieza a principios del siglo XX, con las acciones en vivo de artistas de movimientos vanguardistas. Creadores ligados al futurismo, al constructivismo, al dadaísmo y al surrealismo, realizaban por ejemplo las exhibiciones no convencionales en el Cabaret Voltaire. Entre estos artistas se destaca la participación de Richard Huelsenbeck y Tristan Tzara.

• El arte de la performance es aquél en el que el trabajo lo constituyen las acciones de un individuo o un grupo, en un lugar determinado y durante un tiempo concreto.

• La Performance o acción artística puede ocurrir en cualquier lugar, iniciarse en cualquier momento y puede tener cualquier duración.

• Una "acción artística" es cualquier situación que involucre cuatro elementos básicos: tiempo, espacio, el cuerpo del artista y una relación entre este y el público. El performance se opone a la pintura o la escultura, ya que no es el objeto sino el sujeto el elemento constitutivo de la obra artística.

• La performance tiene parentescas con la acción poética, la intermedia, la poesía visual y otras expresiones del arte contemporáneo. Algunos llaman a tales expresiones (idénticas o muy similares a la performance): live art, action art, intervenciones y manoeuvres.

• El sniggling es una forma activista y engañosa de performance art en público, que típicamente se desarrolla de modo que los espectadores inicialmente no se dan cuenta de que se está ejecutando una performance.

     En el arte contemporáneo, nos referimos a acción poética cuando distinguimos una performance de una acción basada en el sentido poético del arte, la literatura o la cultura.

"ALGUNOS AUTORES DE LAND-ART"

1. CHRISTO Y JEANNE-CLAUDE:
   
   

   

        Christo (n. Gabrovo, Bulgaria, 13 de junio de 1935) y Jeanne-Claude (Casablanca, Marruecos, 13 de junio de 1935 - Nueva York, Estados Unidos, 18 de noviembre de 2009)^[] son un matrimonio de artistas que realiza instalaciones artísticas ambientales, similares al Land Art.

   Se caracterizan, principalmente, por utilizar tela para envolver gigantescos edificios o cubrir extensas áreas públicas.

        Han realizado sus instalaciones en diferentes países: en el año 1995 forraron el edificio del Reichstag en Alemania y en 1985 cubrieron el Puente Nuevo en París. También construyeron una cortina de 39 kilómetros de largo, llamada "Running Fence", en la comuna francesa de Marin en 1973. Su trabajo más reciente fue "The Gates" (2005), el que consistió en instalar 7.503 marcos metálicos en el Central Park de Nueva York.
2. ROBERT SMITHSON:
   
   

   

   Robert Smithson (Nueva Jersey, 2 de enero de 1938 – 20 de julio de 1973) fue un artista contemporáneo del movimiento llamado Land Art. Estudió pintura y dibujo en la ciudad de Nueva York. Después de diplomarse en la Liga de Estudiantes de Arte en 1956, se inscribió en la Escuela del Museo de Brooklyn. Su tipo de pintura preferida es la pintura abstracta, tipo de pintura que dejó para consagrarse, a partir de 1962, a la escultura. Comenzó a trabajar en los lugares suburbanos, empleando para sus trabajos el término Earthworks (obras de tierra). Sus construcciones, esculturales sin ninguna función utilitaria y son así obras efímeras. Sus obras son gigantescas, construidas con la ayuda de máquinas industriales, lejos de la población. Su obra más conocida posiblemente sea la Spiral Jetty creada en abril de 1970 en el Gran Lago Salado en Utah. Falleció en accidente de aviación.
3. AGUSTIN IBARROLA
   
        Tras comenzar su relación con la pintura de forma autodidacta (a los 16 años realizó su primera exposición), en 1948 la Diputación de Vizcaya y el Ayuntamiento de Bilbao le concedieron una beca con la que se trasladó a Madrid para continuar sus estudios en el taller de Daniel Vázquez Díaz, hasta 1955. Junto con éste dio sus primeros pasos en el cubismo.

     En 1950 conoció a otro artista que tuvo gran influencia sobre su producción y su mentalidad artística, el escultor vasco Jorge Oteiza; junto a él se introdujo en la división y análisis del espacio propia del constructivismo. También aprendió de Oteiza la mentalidad de creación artística conjunta, donde participaran numerosos artistas y diferentes artes.

     En 1956, y tras realizar diversas exposiciones en España, se trasladó a París. En esta ciudad conoció a otros artistas españoles residentes allí, con los cuales en 1957, en el café Rond Point fundaron el Equipo 57; entre integrantes de dicho grupo fueron José Duarte, Ángel Duarte y José Serrano. En este época, a través de José Ortega, descubre la técnica del grabado y se integra en el movimiento de "Estampa Popular" del País Vasco. Esta es su época del constructivismo.

     Durante los años 60 inicia su actividad política y social, siendo detenido en 1962 y encarcelado varios años, entre 1962 y 1965 y entre 1967 y 1973, en la prisión de Burgos por su militancia comunista. Posteriormente participó en diversas huelgas obreras, motivo por el cual fue encarcelado de nuevo en 1967. Durante ambas estancias en prisión continuó pintando.

     En 1963 se celebró una exposición de su obra en Londres donde sus trabajos merecieron que la crítica le comparase con el papel que desarrolló Goya en su obra Desastres de la Guerra.

Su obra pictórica es un desarrollo plástico de su ideología política, pudiendo ser inscrita dentro de la pintura social, denunciando la realidad del proletariado y el mundo rural. Su obra conjuga el espíritu vasco con el compromiso social con los trabajadores, las gentes más humildes y tiende hacia el expresionismo.

     Realizado en el seno del Equipo 57, realizó diversos estudios sobre los espacios curvos y sobre las relaciones positivo-negativo y cóncavo-convexo que posteriormente influyeron notablemente en su planteamiento estético. En la década de los 80 inició su actividad escultórica y su singular visión de la obra pictórica, reflejada posteriormente en algunas de sus obras, como sus "Bosques".

Hace algunos años decidió retirarse a su caserío realizando obras pictóricas y escultóricas de gran formato, y trabajando en sus intervenciones en la naturaleza en sus Bosques, decoraciones pictóricas realizadas en árboles. Un ejemplo de éstos, y quizá su trabajo más conocido, es el Bosque de Oma, cerca de Guernica. En él se inspiró el dramaturgo Pedro Víllora para su obra Electra en Oma.

"OTRAS MODALIDADES ARTÍSTICAS DEL LAND-ART"

1. BODY-ART:
   
   
        El arte corporal es un estilo enmarcado en el arte conceptual, de gran relevancia en los años 1960 en Europa y, en especial, en Estados Unidos.
        Se trabaja con el cuerpo como material plástico, se pinta, se calca, se ensucia, se cubre, se retuerce... el cuerpo es el lienzo o el molde del trabajo artístico. Suele realizarse a modo de acción o performance, con una documentación fotográfica o videográfica posterior.
        Yves Klein, Bruce Nauman, Vito Acconci, Youri Messen-Jaschin tuvieron su fase en este movimiento. A continuación vamos a ver un vídeo de fotografías sobre BODY-ART.
   
   
   
   

   
   
2. HAPPENING:
   

   

   
       Happening (de la palabra inglesa que significa evento, ocurrencia, suceso). Manifestación artística, frecuentemente multidisciplinaria, surgida en los 1950 caracterizada por la participación de los espectadores. Los happenings integran el conjunto del llamado performance art y mantiene afinidades con el llamado teatro de participación.

        La propuesta original del happening artístico tiene como tentativa el producir una obra de arte que no se focaliza en objetos sino en el evento a organizar y la participación de los "espectadores", para que dejen de ser sujetos pasivos y, con su actividad, alcancen una liberación a través de la expresión emotiva y la representación colectiva. Aunque es común confundir el happening con la llamada performance el primero difiere de la segunda por la improvisación o, dado que es difícil una real improvisación, por la imprevisibilidad.

        El happening en cuanto a manifestación artística es de muy diversa índole, suele ser no permanente, efímero, ya que busca una participación espontánea del público. Por este motivo los happenings frecuentemente se producen en lugares públicos, como un gesto de sorpresa o irrupción en la cotidianeidad. Un ejemplo de ello son los eventos organizados por Spencer Tunik en los cuales se implican a masas de gente desnuda.

        Los primeros happening fueron los efimero panico de Alejandro Jodorowsky. Se considera como el primer happening propiamente dicho a la obra Theater piece Nº1 realizada en 1952 por John Cage en el Black Mountain College, tal tipo de obra fue explicada por el propio John Cage como eventos teatrales y sin trama, aunque fue Allan Kaprow (alumno de Cage) quien en abril de 1957 durante un Picnic artístico improvisaciones que se representaban.

   

        En enero de 1958 la frase acuñada por Kaprow es generalizada`por la revista estudiantil de la Rutgers University Antologist, desde entonces tal forma artística y tal denominación fue adoptada en otros países. Jack Kerouac refiriéndose a Kaprow le llamó el hombre Happening al observar la obra 18 Happenings in 6 parts (1959).

        Aunque el happening surge en Estados Unidos durante los 50s y tuvo su apogeo durante los “alegres” 1960 con esteticas próximas al llamado pop-art y a las del movimiento hippie, entre 1964 y 1960 los provos improvisaban verdaderos happenings en las plazas de Ámsterdam, se encuentran claros precedentes del mismo en ciertas expresiones artísticas vanguardistas de “los años locos” ( los años 1920), muchas de ellas vinculadas al surrealismo y, sobre todo al dadaísmo siendo claros antecedentes las exhibiciones no convencionales realizadas en el Cabaret Voltaire por Richard Huelsenbeck, Tristan Tzara entre otros.

        En España, las primeras obras de happening fueron escritas en catalán por el poeta Joan Brossa en 1946, es decir mucho antes de que Kaprow acuñara el término. Su autor las denominó acciones espectáculo.
3. ARTE POVERA:

   
   

   El término arte povera (voz italiana para "arte pobre") es una tendencia dada a conocer a finales de los sesenta, cuyos creadores utilizan materiales considerados 'pobres', de muy fácil obtención: como madera, hojas o rocas placas de plomo o cristal, vegetales, telas, carbón o arcilla, o, también, de desecho y, por lo tanto, carentes de valor. En un esfuerzo por huir de la comercialización del objeto artístico, ocupan el espacio y exigen la intromisión del público. Tratan de provocar una reflexión entre el objeto y su forma, a través de la manipulación del material y la observación de sus cualidades específicas. Un artista típico es Mario Merz (n. 1925), famoso por sus «iglú», estructuras hemisféricas realizadas con materiales diversos.

   Acuñado por el crítico y comisario de arte italiano Germano Celant en 1967 para el catálogo de la exposición 'Arte povera – Im Spazio', intentaba describir la tendencia de una nueva generación de artistas italianos a trabajar con materiales nada tradicionales y supuso un importantísima reflexión estética sobre las relaciones entre el material, la obra y su proceso de fabricación y también un claro rechazo hacia la creciente industrialización, metalización y mecanización del mundo que les rodeaba, incluido el del arte. Aunque originario de ciudades como Turín, Milán, Génova o Roma y de carácter muy heterogéneo, el movimiento tuvo en seguida mucha influencia, gracias a la documenta V de Kassel, en las escenas artísticas europea y americana.

   El término se usó por primera vez una exposición veneciana en el año 1967.

"JORGEN LETH"

     Jorgen Leth es un danés poeta y director de cine que es considerado una figura destacada en el documental de la realización de películas experimentales. Los más notables son su documental épico "Un domingo en el Infierno" (1977) y su cortometraje surrealista "The Perfect Human" (1967). También es comentarista deportivo para la televisión danesa y está representada por la compañía de producción de películas, producciones de extinción.

"AUTOR RECONOCIDO DE FRASES FAMOSAS"

     El autor de las frases, expuestas en clase en diapositivas el día 18 de Noviembre, es ANDY WARHOL.

     Andrew Warhola (n. Pittsburg, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987), más comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos. Ha sido objeto de numerosos análisis, exposiciones de arte, libros y películas, como el documental "I Shot Andy Warhol".

     Uno de los aportes más populares de Warhol fue su declaración sobre los «15 minutos de fama» que cualquier persona puede conseguir. Esta frase en cierta manera vaticinó el actual poder de los medios de comunicación y el apogeo de la prensa amarilla y de los reality shows.

     Fue personaje polémico durante su vida - algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosas o bromas pesadas - y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, libros y documentales. Gracias a esta fama y a la polémica al igual que a sus revolucionarias obras está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX.

     Aquí os dejo uno de los enlaces de donde he encontrado estas frases para saber que era de ANDY WARHOL.

• http://www.jennydemalaga.es/frases-y-sentimientos/frases-de-andy-warhol/

"LARS VON TRIER" CINEASTA DOGMA

Nace en Copenhague (Dinamarca) el 30 de abril de 1956. El director danés Lars von Trier es reconocido mundialmente por su visión crítica del mundo expresada a través de sus películas dramáticas las cuales han generado tanto el clamor por parte de los expertos como también críticas por los métodos de filmación.

Lars von Trier fue uno de los creadores del Dogma 95, un movimiento cinematográfico con el cual se llama al regreso de historias más creíbles en la industria fílmica apartándose de los efectos especiales y dirigiéndose principalmente hacia un uso técnico mínimo.

A pesar de alcanzar un mayor reconocimiento con películas como Europa (Zentropa) von Trier se consagró como uno de los directores de cine más importantes de Europa en 1996 con Rompiendo las olas.

Esta última producción, junto con "Dancer In The Dark" (que cuenta con las participaciones de la cantante islandesa Björk, la actriz francesa Catherine Deneuve, y la del sueco Peter Stormare) y "Los Idiotas" o "Dogma #2", forma la trilogía de "Los Corazones de Oro".

Lars von Trier también pinta cuadros, uno de los cuales está expuesto en la última planta del castillo de Hillerod (Dinamarca). Refleja un universo casi monocromático y angustioso, como en sus películas.

"CLASE MÁS IMPORTANTE DE LA ASIGNATURA"

     En la sesión del día 18 de Noviembre, Ángel nos dijo que iva a ser la clase más importante de la asignatura, ya que a partir de este momento todos eramos artistas. Esto es debido a que en la primera parte de la clase nos estubo explicando el trabajo final de curso que es la "CREACIÓN DE UNA OBRA DE ARTE", donde tenemos que realizar una reflexión y un proyecto artístico de esa obra de arte. El trabajo es individual y puede ser fotografía, escultura, vídeos, pinturas...

     En la segunda parte de la clase estuvimos viendo unas diapositivas donde se mostraban las siguientes frases:

1. "Lo que es genial de este país es que América ha iniciado una tradición en la que los consumidores más ricos compran esencialmente las mismas cosas que los más pobres. Puedes estar viendo la tele y ver la Coca-Cola, y sabes que el Presidente bebe Coca-Cola, Liz Taylor bebe Coca-Cola, y piensas que tú también puedes beber Coca-Cola. Una cola es una cola, y ningún dinero del mundo puede hacer que encuentres una cola mejor que la que está bebiéndose el mendigo de la esquina. Todas las colas son la misma y todas las colas son buenas. Liz Taylor lo sabe, el Presidente lo sabe, el mendigo lo sabe, y tú lo sabes."
2. «Comprar es mucho más americano que pensar, y yo soy el colmo de lo americano.»
3. «Nunca pienso que las cosas mueren. Simplemente van a grandes tiendas.»
4. «He decidido algo: comerciar cosas realmente fétidas. 
5. Enseguida se convertirían en éxito en un mercado masivo que realmente apesta.»
6. «Me temo que si uno fija su atención en una cosa el tiempo suficiente, pierde todo su significado.»
7. «Nunca leo, veo las imágenes.»
8. «La inspiración es la televisión.»
9. «En el futuro todo el mundo será famoso durante quince minutos. 
10. Todo el mundo debería tener derecho a 15 minutos de gloria.»
11. «En los años ochenta va a haber cada quince minutos un nuevo futuro.»
12. «Lo más hermoso de Florencia es el restaurante McDonald’s.»

     Donde Ángel, después de enseñarnos estas frases nos pidió que buscáramos el autor de estas frases, dándonos unas pistas como que era un chico, estas frases hablan de los años 80 y que el autor tenía que ser americano. Este pequeño trabajo lo podremos ver en la entrada "AUTOR RECONOCIDO DE FRASES FAMOSAS".

     Seguidamente vimos unos vídeos de uno de los cineastas que tienen una perspectiva del cine dogma, Lars Von Trier junto Joren Leth.

     Por último visualizamos la obra "Prologue to a perfect human" del profesor Ángel. Con la visión de este último vídeo y con los vídeos anteriores, nos sirve como ejemplo de "proceso creativo" para la creación de un trabajo titulado "PRÓLOGO PARA UN HUMANO PERFECTO", donde tenemos que grabar una acción de nuestra vida cotidiana y que será espuesto en este blog como una nueva entrada más adelante.

     A continuación podremos ver la obra realizada por Ángel.

"APRENDIENDO A DIBUJAR"

     En la sesión del día 16 de Noviembre, Ángel nos propuso una clase para que se nos quitará el miedo a dibujar y enseñarnos a lo que  nos habían acostumbrado desde pequeños. Esto quiere decir que todo el mundo sabemos dibujar ya que somos capaces de manchar la hoja del blog o pintar alguna raya en ella, pero con una condición la goma no se podía utilizar para borrar.

     Ángel nos dijo que nos pusiéramos por parejas, pero al ver que algunos alumnos/as se ponían de su mismo sexo, Ángel decidió que nos deberíamos de poner en parejas mixtas y que cada pareja buscará su lugar de trabajo, de reflexión y sobre todo íntimo.

     Una vez realizado estos pequeños pasos, comenzamos a realizar unos pequeños dibujos de las partes del cuerpo de nuestro/a compañero/a, en mi caso fue compañera. La realización de estos dibujos debíamos de hacerlo de la cara de los compañeros/as, teniendo que grabar y fotografiar los pasos que siguiéramos.

     Durante las primeras pinceladas y acciones que realizamos, Ángel estubo fotografiando todas esas acciones y pinceladas que dábamos.

     A continuación vamos a ver un fotomontaje de las fotografías que realice para poder dibujar algunas partes de la cara de mi compañera.

    

     Y por último de la sesión vamos a ver a continuación una serie de vídeos grabados por mi.

LAND ART (ARTE DE LA TIERRA)

     En la sesión del día 11 de Noviembre, hemos visto varias diapositivas, donde varios autores han creado esculturas mediante el hielo, piedras, tierra, agua, naturaleza, gente, sintético...; siendo muchas de estas esculturas fotografías, donde se juega con la forma de los materiales, sus colores, con la naturaleza...

     Después estubimos viendo un Land-Art de una compañera y Ángel nos mando un trabajo colectivo, realizando una experimentación sobre un Land-Art gigante, con CDs o DVD conjuntamente con el grupo K de Educación Primaria.

     Y para terminar la clase, Ángel nos enseñó unos mosaicos creados por él mismo con bolsitas de té y nos explicó toda su historia y como consiguió tener tantas bolsitas de té.

     a continuación podremos ver una pequeña introducción sobre el Land-Art.

    

     El Land Art es una tendencia del arte contemporáneo, que utiliza el marco y los materiales de la naturaleza (madera, tierra, piedras, arena, rocas, etc.). Esta expresión inglesa se ha traducido también como «arte de la construcción del paisaje» o «arte terrestre». Generalmente, las obras se encuentran en el exterior, expuestas a los elementos, y sometidas a la erosión natural; así pues, algunas desaparecieron, quedando de ellas sólo el recuerdo fotográfico. Las primeras obras se realizaron en los paisajes desérticos del Oeste estadounidese a finales de los años sesenta. Las obras más imponentes, realizadas con equipamientos de construcción como excavadoras, se llaman earthworks, palabra que puede traducirse como excavaciones, aterramientos o desmontes).

     El arte generado a partir de un lugar, que algunas veces parece un cruce entre escultura y arquitectura, en otras un híbrido entre escultura y arquitectura de paisaje en donde juega un papel cada vez más determinante en el espacio público contemporáneo. En realidad, puede considerarse como un nuevo comportamiento artístico, alejado de los modos tradicionales, como otros que surgieron en los años sesenta y setenta en respuesta a la comercialización del objeto artístico tradicional (cuadros, esculturas). Otras nuevas modalidades artísticas del mismo tipo serían en body-art, el happening o el arte povera.

     Artistas plenamente considerados de Land art son:

• Christo (n. 1935) & Jeanne-Claude (n. 1935), con sus típicos embalajes.
• Walter De Ma (n. 1935), que realiza obras de raíces simbólicas y mitológicas.
• Eduardo Sanguinetti (n. 1961 ), Precursor del Land Art en América Latina, como modelo generativo de protección del Medio Ambiente, con juntamente con sus célebres performances de la serie Solum y ensayos de ecología, material utilizado en las mas diversas regiones y etnias del planeta
• Michael Heizer (n. 1944)
• Robert Morris (n. 1931)
• Nicolás García Uriburu (n. 1937)
• Dennis Oppenheim (n. 1938) y sus Snow Projects (proyectos-nieve).
• Robert Smithson (1938-1973), quien desarrolló el concepto site sculpture (escultura de lugar), esto es, la escultura como parte de un lugar determinado y no como un objeto que se puede llevar de un lugar a otro.
• Eberhard Bosslet
• James Turrell
• Eugenio Bermejo
• Juan Doffo, argentino

     A continuación podremos ver un vídeo de algunas fotografías de Land Art.

 

"JUEGOS DE IMAGINACIÓN" DE CHEMA MADOZ

     El día 9 de Noviembre, en clase teórica, estuvimos viendo varias fotografías de Chema Madoz, en las cuales tuvimos que dar nuestra opinión sobre las fotografías de este artista, es decir teníamos que decir que es lo que veíamos en las fotografías de Madoz.

     Después Ángel nos mando realizar una imagén de fotografía en blanco y negro sobre algo que nos inventaramos nosotros al igual que las fotografías de Chema Madoz.

     Por último estubimos viendo un vídeo que trataba de las transformaciones de caras de las tribus y nos iva hablando sobre el origén del ser humano.

     A continuación podremos ver una breve introducción sobre los datos de Chema Madoz y algunas de sus fotografías.

     Chema Madoz (Madrid, 1958), reconocido fotógrafo español al que en el año 2000 le fue concedido el Premio Nacional de Fotografía. Ha realizado numerosas exposiciones individuales, tanto en España como en el extranjero, y el conjunto de su obra, además de ser respetada por la crítica, está alcanzando unas cotas de popularidad impensables para otros artistas contemporáneos.

     Amante del blanco y negro, su obra recoge imágenes extraídas de hábiles juegos de imaginación, en los que perspectivas y texturas tejen sus imágenes.

     Desde hace tiempo Chema Madoz pinta ideas de plata. Con su trabajo abre espacios insospechados, formas de gran fuerza; y todo ello nos alcanza, por que nos recuerda siempre a algo y nos empuja a reflexiones sin límites.

     A través de sus fotografías avanzamos a comprender lo extraño de los atributos en las formas y los ciclos que de forma machacona se producen en la naturaleza.

     Durante su trayectoria nos ha ido regalando con una gran factoría de guiños y nos ha recreado espacios que ni los sueños mas recreados han podido nunca alcanzar.



     A continuación podremos ver un vídeo montado por mí de algunas de sus fotografías:

CONSIDERACIÓN DE UNA OBRA DE ARTE Y CONSIDERACIÓN DE UNA NO OBRA DE ARTE

      En trabajo no los mando Lola los primeros días de clase, antes de meterse en la teoría sobre la asignatura que iba dirigida sobre que consideramos arte y que es lo que no consideramos arte y sobre este tema iba dirigido el siguiente trabajo que se expone a continuación.

CAFÉ DE NOCHE (INTERIOR) – VAN GOGH (1888)

     En el cuadro se puede ver el poderío que puede conseguir un simple tabernero con su taberna, ya que destaca en la composición de la escena, el punto de vista muy elevado y en diagonal. Una puerta abierta provoca una mayor sensación de profundidad. La perspectiva está algo distorsionada, subordinada a las necesidades expresivas de Van Gogh.

     Es llamativa la contraposición del verde (techo, mesa de billar, mostrador con botellas) contrapuesto con el rojo de las paredes. El autor se muestra más comedido en la contraposición del azul de los veladores con el naranja de las sillas.

     También aparecen varias personas juntas en el mismo local. Por lo que nos muestra el autor, la luz proviene únicamente de las lámparas del techo y de la habitación que se abre en la pared del fondo.

     En mi opinión, considero este cuadro como una obra de arte, ya que en él se transmite lo que el autor consideraba como era una taberna de noche en su época, con una atmósfera muy asfixiante, es decir, se transmite la soledad que había alrededor del año 1888.

CASAS SOBRE UNA COLINA – PICASSO (1909)

     En el cuadro se puede ver como Picasso transmite como las casas, los árboles y las formas del paisaje son volúmenes geométricos angulosos distribuidos sobre el espacio pictórico, al margen de las reglas de la perspectiva.

     Con este cuadro Picasso nos quería hacer ver que el mundo y la naturaleza se han creado a través de formas y volúmenes geométricos.

     En conclusión, un cuadro no tiene porque considerarse una obra de arte porque tenga el nombre de un autor famoso, como en este caso Picasso, ya que estos autores no siempre dibujan obras de arte como se puede ver en este cuadro. Pues por eso he elegido este cuadro para dar mi opinión como no obra de arte, ya que considero que este cuadro está muy simple y con él tan sólo quiere transmitir que todo ha sido creado a partir de formas y volúmenes geométricos.

¿POR QUÉ NOS AISLAMOS DE ESTE MUNDO Y NOS METEMOS EN EL MUNDO DE LA MÚSICA?

     Aquí os dejo mi fotografía con respecto al trabajo mandado por Ángel en comparación con las fotografías de Chema Madoz.

     Con respecto al título os dejo una pregunta para que cada persona que vea esta fotografía se haga una pequeña reflexión.

REINTERPRETACIÓN DE UNA OBRA DE ARTE: "THE NEW YORK COLLECTION"

Almuerzo en el rascacielos, de Charles Ebbets.

    

     Charles Ebbets es el autor de esta famosa fotografía, casi convertida en icono, que durante los años 30 documentó la construcción del Rockefeller Center de Nueva York. En ella se ven cómo los obreros toman un descanso para comer sentados en una viga de acero a una altura considerable. La imagen sirvió para denunciar las precarias condiciones laborales de los Estados Unidos en esa época de depresión.

     El trabajo consistía en reinterpretar una obra de arte que a nosotros nos llamará la atención o nos dijese algo. Pues bien, para realizar esta obra nos reunimos un grupo de alumnos de la misma clase y amigos, quedamos una mañana y subimos al mirador de San Nicolás para así realizar una foto muy parecida a la que estamos viendo arriba, siendo la que se muestra a continuación.

     Fue una experiencia muy divertida, en la cuál nos saltamos todas las reglas que podía tener este trabajo y también algo anecdótico, ya que toda la gente que había en el mirador en ese momento se quedarón impactados por lo que estaban viendo, un grupo de amigos que fuera a echarse una foto al mirador fijándose en un postel que llevábamos. A continuación mostraré un vídeo de las fotos que nos realizamos durante la subida al mirador donde nos reímos y divertimos mucho.

     Por último vamos a ver la reinterpretación de la obra.